« exposition »

« L’assemblage informe », nouvelle tendance internationale

Une nouvelle scène artistique se développe, de New York à Berlin. Les œuvres ? D’étranges assemblages composés de matériaux hétérogènes, sculptures instables et ambigües, relevant parfois du joyeux bricolage post-duchampien. AMA s’est demandé pourquoi leur réception, en France, est plus mitigée qu’ailleurs. Décryptage. Du plastique coloré dégouline jusqu’à se raccrocher à un morceau de bois pour éviter de s’écraser au sol. Des formes indéfinies composées de matériaux hétérogènes, des créatures tubulaires punks, des machines nouvellement obsolètes raccordées à des structures géométriques investissent l’espace… Peut-être avez-vous déjà croisés ces œuvres au détour d’une jeune galerie ou d’une foire. Qu’êtes-vous en train de regarder ? Une histoire de notre société, la rencontre de matériaux, tout autre chose ? La proximité avec notre environnement visuel complexifie-t-elle la mise à distance facilitant la compréhension de ces œuvres ? La « nouveauté » de ces formes esthétiques perturbent-elles nos habitudes ? À l’image des dadaïstes et du mouvement Fluxus, ces artistes échappent pour le moment aux classifications. Leurs œuvres en apparence absconses arborent des formes et développent des propos très divers, tout en se référant à des mouvements artistiques variés. Des points de contact permettent cependant de saisir ce qui se joue devant nous et de dessiner une nouvelle scène artistique. Nés dans les années 1980, ces artistes font partie de la même génération. Étudiants au milieu des années 2000, alors qu’explose Internet et la mondialisation, ils intègrent le milieu professionnel en pleine crise économique, sociétale, écologique, politique… Leur société est globale, ouverte tout en étant violente et dystopique. Ambivalente, tout et rien n’y est possible. Leurs productions s’apparentent à des assemblages, associés – pour ceux qui nous intéressent – aux notions d’hétérogénéité, de matérialité, d’informe. Ces artistes ne se focalisent pas sur un médium, ils piochent dans le panel de matériaux qui les entourent, comme le firent notamment Pablo Picasso...

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De l’esthétique des fluides

La quatorzième édition de la Biennale d’art contemporain de Lyon convie nos sens à redéfinir la notion de modernité. Sous la baguette de la commissaire Emma Lavigne, l’événement se déploie comme une grande partition mouvante, sonore et visuelle. Immersion au cœur des « Mondes flottants »… La poésie du titre de la nouvelle édition de la Biennale d’art contemporain de Lyon – emprunté au mouvement artistique japonais ukiyo-e, littéralement « images du monde flottant » – illustre parfaitement l’esprit vaporeux de l’épisode 2 de la trilogie « Moderne » voulue par le directeur artistique de l’événement, Thierry Raspail, de 2015 à 2019. En effet, c’est à la découverte d’univers en mouvement, où le liquide le dispute au solide, où les flux, l’invisible et l’impermanence des choses prennent furtivement forme, qu’Emma Lavigne, directrice du Centre Pompidou-Metz, nous invite… pour une appréhension élargie et connectée de notre monde. Après « La vie moderne » imaginée par Ralph Rugoff en 2015, les « Mondes flottants » d’une des commissaires françaises les plus sollicitées du moment s’ancrent jusqu’en janvier 2018, au cœur du vaisseau de La Sucrière et du Mac de Lyon. Entre « flux et reflux » du fleuve Rhône et de la rivière Saône, environ 70 artistes internationaux arriment leurs installations plastiques, sonores et visuelles, où la chorégraphie « des objets de l’expérience » – selon les mots de Thierry Raspail –, le mouvement aléatoire des éléments, la lumière, l’air et l’énergie se combinent à l’architecture et à l’espace des sites pluriels, comme aux interventions ponctuelles du public. À Lyon, les dialogues féconds entre pièces historiques de la collection du Centre Pompidou et œuvres actuelles, mais aussi les points de vue interculturels des plasticiens, redessinent les contours « augmentés » de l’esthétique moderne. Une modernité « extensible », faite de mondes en suspens, qu’Emma Lavigne a souhaité propice à la réflexion contemplative. Pour...

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Data : Hockney ou l’insolente jeunesse

Après la Tate de Londres et avant le MoMA de New York, le Centre Pompidou, à Paris, célèbre les 80 ans de l’artiste. Paysages, portraits et dessins témoignent de l’incroyable vitalité du peintre anglais, auteur d’une œuvre dense, colorée, polymorphe et plus que jamais recherchée. Chiffres à l’appui. Silhouette fluette face à l’œuvre monumentale, David Hockney pose devant The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire, une toile de 2011 que le Britannique vient d’offrir au Centre Pompidou. En ce mardi 27 septembre, l’artiste aux 80 printemps, casquette toujours vissée sur la tête, arbore chandail vert et cravate framboise… Le peintre a le don des associations colorées. Il sourit bien sûr, l’homme est jovial. Il plaisante aussi, c’est presque une habitude. Hockney, on le sait, a une bonne nature. Cette donation vient couronner la rétrospective que Beaubourg consacre à l’artiste jusqu’au 23 octobre ; la plus spectaculaire de l’avis même du peintre, car on peut y voir, confiait-il en juillet dernier à Éric Dahan pour le magazine Vanity Fair, « cent-soixante œuvres dont mon plus grand tableau, actuellement conservé en Australie – Bigger Trees Near Warter ou Peinture sur le motif pour le nouvel âge post-photographique –, ainsi que des petites toiles de jeunesse que j’ai peintes à Bradford, il y a soixante ans ». Cette donation vient également enrichir un fonds français qui fait peu de place à l’artiste pop. Mais peut-on réduire l’œuvre du Britannique à ce seul adjectif, lui qui, fils spirituel du couple Picasso-Matisse, possède la maîtrise du dessin et le génie des couleurs, lui qui encore se fit le chantre de l’hyperréalisme à une époque où l’expressionnisme abstrait était la seule voie de salut de la peinture ? « L’abstraction avait tout dominé et les gens pensaient fermement que c’était la seule façon de peindre, qu’on ne peindrait plus autrement. Je le...

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Retour à Bilbao

Le 19 octobre 1997, le Guggenheim de Bilbao ouvrait ses portes au public. Entre exaltation architecturale et expansionnisme de la marque, retour sur ce fleuron de la globalisation culturelle. Vingt ans après, jour pour jour, une balade au cœur de l’emblématique bâtiment dessiné par Frank Gehry. Anniversaire. Plus qu’un nom, Guggenheim aujourd’hui, c’est un label. Une marque déposée, dont le rayonnement planétaire et le positionnement mainstream ont assuré l’inoxydable succès. En gros, la formule est simple : construire local, exposer global ! La dialectique est franche, les effets saisissants. Cinquante-huit ans que ça dure. De New York à Bilbao, en passant par Venise, le triangle d’or de la tendance masterpiece explose ainsi tous les compteurs. Bien sûr, les aléas de l’histoire ont parfois un peu secoué la galaxie Guggenheim. Si à New York le navire amiral garde le cap depuis 1959, ancré sur la Cinquième avenue, si à Venise le palais Venier dei Leoni abrite depuis plus de 35 ans la collection de Peggy, sur les rives du Grand Canal, l’antenne de SoHo a fermé en 2001 et celle de Las Vegas, l’Hermitage Museum, a jeté l’éponge en 2008. Quant au site berlinois, connu pour son minimalisme radical (une seule salle d’exposition), il aura finalement baissé le rideau en 2013. La fondation Solomon R. Guggenheim, qui ne manque pourtant pas de projets, a aussi dû se plier aux écueils du temps. Ce fut, coup sur coup, des revers durs à encaisser, l’infortune des noces contrariées de l’art et de l’argent. À Guadalajara tout d’abord, au Mexique, puis à Vilnius en Lituanie, deux ambitions muséales brisées. Comme le projet finlandais, lui aussi abandonné dans les eaux froides de la zone portuaire, au terme de longues péripéties politico-financières. Rejetée par le conseil municipal d’Helsinki en décembre 2016, l’utopie architecturale s’est une...

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Eduardo Kac, vers une culture antigravitationnelle

Alors qu’à grands coups de milliards Elon Musk prévoit d’envoyer des hommes coloniser Mars, d’autres se sont posés la question… avec une feuille de papier et une paire de ciseaux. Avec Télescope intérieur, Eduardo Kac donne naissance à la première œuvre extraterrestre, en collaboration avec l’astronaute français Thomas Pesquet. L’œuvre en question n’a ni haut ni bas, ni face ni dos ; c’est un objet qui reproduit, en les imbriquant, les trois lettres du mot « Moi ». Un poème, un objet à lire, à observer, sans point de vue privilégié. Constitué de deux feuilles de papier et selon quelques découpes, Moi s’est mis à léviter dans l’espace lors de la performance inaugurale de Thomas Pesquet, en avril 2017. Sa conception est simple, parce que l’économie de moyens est capitale sur la mission Proxima de l’Agence Spatiale Européenne, l’artiste devant concevoir son projet à partir des matériaux déjà disponibles dans la station spatiale. « Moi », un mot qui n’est pas sans rappeler les formes d’un vaisseau – le tube pour les modules, le plan pour les panneaux solaires. À la galerie Charlot, l’exposition présentant le projet, en juillet dernier, mêlait les médiums : quelques éditions du Moi en papier, une vidéo filmée en vue subjective à la GoPro, présentant la performance, l’objet en lévitation, avec un superbe plan du Moi flottant devant trois hublots laissant entrevoir la planète bleue et les mains de Thomas Pesquet, mais aussi des dessins et des broderies du protocole de la performance, des photos des premiers tests et des livres d’artiste documentant le projet. Entretien en apesanteur…   Télescope intérieur a des racines profondes dans votre travail. Pouvez-vous revenir sur ses origines ? Le projet s’amorce en 2007, mais ses racines remontent aux années 1980. J’ai créé mon premier poème numérique en 1982, le premier poème holographique en...

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