« artiste »

« L’assemblage informe », nouvelle tendance internationale

Une nouvelle scène artistique se développe, de New York à Berlin. Les œuvres ? D’étranges assemblages composés de matériaux hétérogènes, sculptures instables et ambigües, relevant parfois du joyeux bricolage post-duchampien. AMA s’est demandé pourquoi leur réception, en France, est plus mitigée qu’ailleurs. Décryptage. Du plastique coloré dégouline jusqu’à se raccrocher à un morceau de bois pour éviter de s’écraser au sol. Des formes indéfinies composées de matériaux hétérogènes, des créatures tubulaires punks, des machines nouvellement obsolètes raccordées à des structures géométriques investissent l’espace… Peut-être avez-vous déjà croisés ces œuvres au détour d’une jeune galerie ou d’une foire. Qu’êtes-vous en train de regarder ? Une histoire de notre société, la rencontre de matériaux, tout autre chose ? La proximité avec notre environnement visuel complexifie-t-elle la mise à distance facilitant la compréhension de ces œuvres ? La « nouveauté » de ces formes esthétiques perturbent-elles nos habitudes ? À l’image des dadaïstes et du mouvement Fluxus, ces artistes échappent pour le moment aux classifications. Leurs œuvres en apparence absconses arborent des formes et développent des propos très divers, tout en se référant à des mouvements artistiques variés. Des points de contact permettent cependant de saisir ce qui se joue devant nous et de dessiner une nouvelle scène artistique. Nés dans les années 1980, ces artistes font partie de la même génération. Étudiants au milieu des années 2000, alors qu’explose Internet et la mondialisation, ils intègrent le milieu professionnel en pleine crise économique, sociétale, écologique, politique… Leur société est globale, ouverte tout en étant violente et dystopique. Ambivalente, tout et rien n’y est possible. Leurs productions s’apparentent à des assemblages, associés – pour ceux qui nous intéressent – aux notions d’hétérogénéité, de matérialité, d’informe. Ces artistes ne se focalisent pas sur un médium, ils piochent dans le panel de matériaux qui les entourent, comme le firent notamment Pablo Picasso...

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Oscar Tuazon ou la nécessité de la sculpture

C’est cette année Oscar Tuazon qui investit la place Vendôme dans le cadre de la programmation Hors les Murs de la FIAC. À partir de segments de canalisation en polyéthylène – habituellement employés pour la gestion des eaux –, l’artiste américain a travaillé sur un (très) grand format. Explications. À travers des matériaux usuels ou simples, Oscar Tuazon mène des expérimentations – souvent connectées à l’environnement direct. Une pratique qui lui permet de pointer l’attention sur les questions écologiques qui lui sont chères. Ici, la thématique de l’eau, en lien avec l’histoire de Paris, où l’artiste a vécu quelques années. Tuazon développe sa sculpture selon un mode singulier : tout autant focalisé sur le matériau que nourri de son rapport au texte et à l’écriture. Aujourd’hui représenté à Paris par la galerie Chantal Crousel, Oscar Tuazon a vécu dans la capitale dans les années 2000 et a été le cofondateur de la galerie Castillo/Corrales, dans le quartier de Belleville, avec les critiques Thomas Boutoux, François Piron et Benjamin Thorel. Cet espace de recherches, aujourd’hui fermé après huit ans d’existence, a toujours mêlé expositions et écrits, débats et éditions. C’est Oscar Tuazon qui avait d’ailleurs trouvé le nom du lieu, inspiré des combats de boxe. Désormais, le plasticien vit à Los Angeles, mêlant toujours un travail viscéralement physique à un rapport quotidien au texte, à l’écriture, à la poésie. Pour cette carte blanche qui lui a été offerte place Vendôme, à Paris, il précise pour Art Media Agency avoir immédiatement pensé à « un monument horizontal. Un monument à échelle humaine, que l’on peut parcourir. Comme Gustave Courbet, qui avait appuyé l’effort de démolition de la colonne Vendôme à l’époque de la Commune, je la préfère dans ce sens. C’est un monument ad hoc pour l’eau, dans une ville qui...

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L’art contemporain, cette vache à lait

100 mg de calcium par portion et seulement 19 % de matière grasse… C’est La Vache qui rit. Un objet culte, dont la boîte collector est cette année dessinée par l’artiste belge Wim Delvoye. Présentée en avant-première à la FIAC, au prix de 5 €, c’est l’œuvre d’art contemporain la plus abordable de la foire ! 400 millions de consommateurs dans le monde, 240 portions consommées chaque seconde… La Vache qui rit, pour tous les amateurs de crème de gruyère, est un standard. Une famille sur deux avec des enfants de moins de quinze ans consommerait ce drôle de triangle frappé d’un bovidé hilare, affublé de boucles d’oreille. L’art contemporain rimant naturellement avec vache à lait, la fromagerie Bel s’est emparée du ruminant pour lancer sa « Collector Box », une édition limitée, signée d’un grand nom de la scène artistique internationale. Le principe ? Une boîte en carton avec 24 portions dotées de cette inimitable petite tirette rouge, souvent agaçante, parfois libératrice. Ajoutez à ça un artiste contemporain en vue, une bonne dose de marketing et un buzz planétaire façon pâte à tartiner… Vous avez un pur produit industriel, grand classique des hypermarchés, élevé au rang des beaux-arts. Un clin d’œil à la boîte de soupe Campbell d’Andy Warhol, en plus soft. Entre Pop art et humour vache, l’emballage iconique est donc de retour dans le temple de la branchitude contemporaine. Un emballage dont le tour de force est à saluer, qui consiste à faire entrer des triangles dans un rond, et qui visiblement inspire les artistes. Hans-Peter Feldmann, éternel compilateur d’images, se lance en 2014 et crée la toute première boîte collector. Suivront Thomas Bayrle, cet ardent praticien de l’art sériel, en 2015, puis Jonathan Monk, un post-conceptuel anglais rallié aux joies de la citation, qui l’année...

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Data : Hockney ou l’insolente jeunesse

Après la Tate de Londres et avant le MoMA de New York, le Centre Pompidou, à Paris, célèbre les 80 ans de l’artiste. Paysages, portraits et dessins témoignent de l’incroyable vitalité du peintre anglais, auteur d’une œuvre dense, colorée, polymorphe et plus que jamais recherchée. Chiffres à l’appui. Silhouette fluette face à l’œuvre monumentale, David Hockney pose devant The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire, une toile de 2011 que le Britannique vient d’offrir au Centre Pompidou. En ce mardi 27 septembre, l’artiste aux 80 printemps, casquette toujours vissée sur la tête, arbore chandail vert et cravate framboise… Le peintre a le don des associations colorées. Il sourit bien sûr, l’homme est jovial. Il plaisante aussi, c’est presque une habitude. Hockney, on le sait, a une bonne nature. Cette donation vient couronner la rétrospective que Beaubourg consacre à l’artiste jusqu’au 23 octobre ; la plus spectaculaire de l’avis même du peintre, car on peut y voir, confiait-il en juillet dernier à Éric Dahan pour le magazine Vanity Fair, « cent-soixante œuvres dont mon plus grand tableau, actuellement conservé en Australie – Bigger Trees Near Warter ou Peinture sur le motif pour le nouvel âge post-photographique –, ainsi que des petites toiles de jeunesse que j’ai peintes à Bradford, il y a soixante ans ». Cette donation vient également enrichir un fonds français qui fait peu de place à l’artiste pop. Mais peut-on réduire l’œuvre du Britannique à ce seul adjectif, lui qui, fils spirituel du couple Picasso-Matisse, possède la maîtrise du dessin et le génie des couleurs, lui qui encore se fit le chantre de l’hyperréalisme à une époque où l’expressionnisme abstrait était la seule voie de salut de la peinture ? « L’abstraction avait tout dominé et les gens pensaient fermement que c’était la seule façon de peindre, qu’on ne peindrait plus autrement. Je le...

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Allan McCollum, rencontre à Soho

Né en 1944 à Los Angeles, Allan McCollum vit depuis les années 1960 au cœur de New York. Il est représenté par les galeries Mitterrand, Thomas Schulte ou encore MFC-Michèle Didier. Rencontre au cœur de l’atelier.   Votre travail, basé sur la répétition des formes, s’intègre toujours dans la continuité des premières séries qui remontent aux années 1970… Étant artiste depuis près de cinquante ans, je suis allé vers bien des recherches, mais à mon âge il devient important et même nécessaire de regarder derrière soi et de voir ce que l’ensemble des travaux revêt de commun. Je n’ai pas encore fini d’y réfléchir, même si des thèmes fédérateurs reviennent, comme les objets produits en quantité et ceux réalisés en tant qu’objet unique. Depuis le tout début de ma carrière, j’ai exploré ces distinctions, les ai mêlées, et si je ne suis pas le seul plasticien à le faire, je l’ai toujours entrepris d’une manière systématique avec des quantités travaillées énormes ! Ce ne sont pas cinquante, mais dix-mille pièces que j’élabore, dont chacune est unique. Toutes mes investigations tournent également autour de la réflexion sur l’espace de la galerie ou du musée, comparé à celui d’un magasin. J’essaie toujours de contextualiser les différentes manières que nous avons de montrer les objets ayant du sens pour nous. J’ai même réalisé des « souvenirs » et collaboré avec des petites villes pour créer des pièces en relation avec leur artisanat propre.   Cette multiplicité et cette question de la quantité étaient-elles au départ pensées pour aller à l’encontre d’une certaine fétichisation de l’art et de son milieu ? Je n’emploie jamais ce mot de « fétichisation », mais je suis d’accord avec cette idée. Je suis né durant la Seconde Guerre mondiale et j’ai grandi au moment où l’on découvrait les horreurs des nazis...

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