Conversation avec Yuko Hasegawa

 Metz  |  13 février 2018  |  AMA  |  Tweet  |  LinkedIn

Yuko Hasegawa est la curatrice internationale par excellence. Dans son Japon natal, elle est cofondatrice de Inujima Art House Project à Naoshima et directrice artistique du Musée d’Art Contemporain de Tokyo (MOT). Son dernier projet, « Japanorama », est actuellement présenté au Centre Pompidou-Metz, en France.

Au cours des dernières années, Yuko Hasegawa a été commissaire de la Biennale de Moscou (2017) et de la XIe Biennale de Sharjah (2013), co-commissaire de la 29e Biennale de Sao Paulo (2010) et jury du Prix Hugo Boss Asia et du Prix MAXXI Bulgari.

 

« Japonorama » est une entreprise extrêmement ambitieuse : l’exposition couvre plus de 45 ans d’histoire de l’art contemporain japonais et comprend environ 350 œuvres de cent artistes. Vous êtes évidemment une curatrice très expérimentée, mais trouvez-vous toujours aussi difficile de faire face à de tels projets, assez gigantesques ?

Tout d’abord, permettez-moi d’expliquer pourquoi l’exposition commence en 1970. En 1986, le Centre Pompidou a mis en scène un important aperçu, qui retraçait l’histoire de l’art d’avant-garde au Japon, de 1910 à 1970. Le nouvel accrochage poursuit l’exposition de 1986, començant là où la précédente s’était terminée. La même année a eu lieu l’« Expo 70 » à Osaka : un événement symbolique marquant la transition du Japon de l’après-guerre vers une nouvelle voie, dans la société, l’économie, la technologie et la culture. Beaucoup de gens cherchaient une identité culturelle originale, regardant à l’intérieur plutôt qu’à l’extérieur. C’est pourquoi j’ai pensé qu’il était important de faire courir l’exposition de 1970 à nos jours. De nombreuses expositions sur l’art japonais contemporain organisées par des conservateurs étrangers se concentrent sur l’art produit dans les années 1950-1960, principalement parce que cette période a été largement influencée par le modernisme européen. Il est donc facile pour les conservateurs occidentaux de la contextualiser. Dans le Japon des années 70, le minimalisme commence à se développer, alors que dans les années 80 – la période de bulle économique – beaucoup d’expressions interdisciplinaires émergent, incorporant le design, la musique et la mode. C’est pourquoi l’art de cette période n’est pas si facile à mettre en contexte. Ainsi, au lieu de réaliser une exposition chronologique linéaire, j’ai extrait six concepts clés caractérisant la culture visuelle contemporaine du Japon : le Pop Art, le Post-Corps Humain, la Collaboration, les Subjectivités, la Poésie et le Minimalisme. Oui, bien sûr, c’était un défi, parce que la culture japonaise est peu familière au public européen. Malgré la mondialisation et l’accès à l’information sur diverses cultures marginales, la plupart du temps les Occidentaux ne connaissent que quelques stéréotypes, tels que les mangas, les geishas, ​​les montagnes, etc.

 

Ce n’est pas seulement de l’art contemporain que vous exposez. Vous incluez également Comme des Garçons, Yellow Magic Orchestra, Rhizomatics, etc. Plutôt que de se concentrer uniquement sur l’art visuel, l’exposition présente de nombreux champs, de la mode et de la musique, du design et de la technologie. Une telle approche interdisciplinaire inscrit utilement le travail des artistes dans le contexte plus large de la culture japonaise contemporaine…

Vous savez, le Japon a des structures très horizontales, comparées à la hiérarchie occidentale en matière de formes d’art, des beaux-arts et des cultures marginales. Cela devient particulièrement évident quand nous regardons les années 80, quand un graphiste faisait des illustrations et des mangas, mais débordait aussi dans le champ de la peinture. Un exemple est Tadanori Yokoo, qui fut un designer à succès dans les années 60 et 70 et décida de devenir peintre plus tard, tout en continuant à travailler dans le monde du design. Il y a donc beaucoup de créations transfrontalières.

 

Le programme d’expositions du Musée d’Art Contemporain de Tokyo (MOT), qui réunit des créateurs très divers, de l’artiste et musicien Yoko Ono à l’architecte brésilien Oscar Niemeyer ou au mannequin Sayoko Yamaguchi, reflète certainement ce dont vous parlez. Je suppose que de nombreux musées occidentaux adoptent aujourd’hui une approche similaire, essayant d’intégrer différentes disciplines à leur propos, en particulier la danse, le théâtre et la poésie, mais c’est un effort très conscient, sinon forcé…

Oui, alors que pour moi cette approche est très naturelle. Au Japon, il est assez courant que différentes formes d’art interagissent les unes avec les autres, et je voulais le refléter dans l’exposition.

 

Vous organisez beaucoup d’expositions internationales, mais ici « Japonorama » se concentre uniquement sur l’art japonais. Trouvez-vous que cette catégorisation nationale est utile dans le monde artistique globalisé actuel ?

C’est la première fois que je réalise une soi-disant exposition d’art japonaise à l’extérieur du pays. De plus, je n’ai jamais organisé ce type d’exposition d’art japonais au Japon. Sur un plan très pratique, le Japon est si loin et si différent, il n’est pas facile d’introduire ce contexte compliqué, avec toutes ses sous-cultures, dans le contexte européen. C’était une mission, et je devais faire usage de certaines abstractions et contextualisations pour être en mesure de fournir un aperçu de la culture japonaise au public occidental en un seul accrochage. Je reconnais avoir eu beaucoup de liberté pour monter une telle exposition, alors je me suis dit « pourquoi pas ! ». Il n’y a pas de programme nationaliste en jeu, mais plutôt une idée simple : faire ressortir quelque chose de très intéressant et d’inhabituel et essayer de l’expliquer.

 

Vous faites remarquer avoir eu beaucoup de liberté pour monter l’exposition. Apportez-vous par exemple beaucoup de narration personnelle dans les projets que vous organisez ? Essayez-vous de présenter une « vue objective de l’histoire », sans jugement, ou est-ce davantage votre opinion personnelle ?

Je suis curatrice, alors je choisis en utilisant toute l’information dont je dispose et en examinant une partie de mes connaissances et de mon expérience. C’est ma responsabilité, en tant que commissaire, de sélectionner, sinon je pourrais simplement choisir l’art des catalogues. Je rencontre les œuvres, et c’est ainsi que je les connais. La curation est donc toujours une responsabilité et elle est toujours subjective. Que signifie le mot « histoire » ? Qui parle de l’histoire ? C’est quelqu’un qui raconte une histoire. Inévitablement, ma représentation de l’histoire n’est l’histoire de personne d’autre, mais la mienne. Les supposées « histoires objectives » sont seulement racontées par des puissances faisant autorité. En tant que commissaire, j’ai la liberté, mais j’ai aussi la responsabilité de pointer les choses. C’est important, dans ce contexte, en ce moment. Les six thèmes que j’ai choisis pour « Japonorama » sont en fait basés sur une recherche statistique très précise. Nous avons regardé quel genre d’art japonais est collectionné par les musées européens – qui, comme vous le savez, n’acceptent que ce qui est pertinent dans leur propre contexte, les barrières étant très hautes pour entrer dans une collection publique. Le Centre Pompidou, par exemple, possède quelques pièces de Yayoi Kusama, Tetsumi Kudo. Pourquoi ces artistes, pourquoi ces œuvres ? J’ai aussi parlé à beaucoup de collègues occidentaux pour recueillir leurs impressions sur l’art japonais.

 

Vous êtes invitée à organiser de nombreuses expositions et biennales dans le monde entier. Comment opérez-vous ces choix ?

Tout d’abord, je regarde mon emploi du temps ! Deuxièmement, j’aime travailler dans des pays où je n’ai jamais travaillé auparavant. Ainsi, par exemple, j’ai accepté d’organiser la Biennale de Moscou l’année dernière malgré un calendrier très serré, en raison des préparatifs en cours pour « Japonorama ». Mais j’ai déjà été à Moscou deux fois, et pour moi c’est très intéressant géoculturellement et géopolitiquement. C’est la même raison pour laquelle j’ai choisi Istanbul pour la Biennale de 2001. Je trouve cette position fascinante entre l’Est et l’Ouest, et je suis curieuse de connaître les pays culturellement chaotiques, en particulier ceux qui présentent un climat politique particulier. En dehors de cela, je suis toujours intéressée par la raison qui fait qu’une institution m’accueille.

 

Je sais que vous êtes très intéressée par les modèles européens et occidentaux liés à la connaissance et à la subjectivité. Vous avez souvent parlé de la nécessité de changer notre mode d’apprentissage eurocentré et de revenir à l’individu. La nature a toujours constitué un centre d’intérêt important pour les artistes japonais, historiquement et aujourd’hui encore ; l’art contemporain japonais est préoccupé par les thèmes de la nature, de l’humain et du posthumain. Tous ces sujets se retrouvent régulièrement dans vos expositions…

C’est un point important que je veux faire valoir. Comme vous le savez, le Japon est une île qui a subi de nombreuses catastrophes naturelles, telles que des tremblements de terre et des tsunamis. En conséquence, les Japonais sont très conscients de ce que représente la nature : parfois, elle est très puissante et impressionnante, d’autres fois tendre et douce. Je pense qu’il y a une meilleure compréhension ici du fait qu’il n’y a pas de séparation entre l’humain et la nature. Au contraire, nous faisons partie de la nature, la nature fait aussi partie de nous. Il y a relation organique. Parfois, nous détruisons la nature ; parfois, nous en apprécions la beauté, que nous essayons de maintenir. Il y a donc deux attitudes opposées, mais elles proviennent de la même racine : nous vivons tous ensemble. Un autre aspect important est l’animisme. Les Japonais adorent les animaux. Au Japon, les chasseurs de baleines – les plus gros mammifères – sont critiqués par les Occidentaux. Mais nous traitons les baleines d’une manière très particulière, nous utilisons tout le corps, la peau, la graisse, les os. De plus, quand les baleines meurent, nous créons une tombe et nous les adorons et les pleurons comme des êtres humains. Nous coexistons. Il y a donc ce respect envers la nature, qui est unique à la culture japonaise, mais qui s’étend aussi au-delà des êtres vivants. Regardez les artistes japonais et la façon dont ils traitent les médias et les ordinateurs : ils ne considèrent pas les ordinateurs comme des machines, mais plutôt comme des créatures organiques, comme d’autres êtres. C’est pourquoi les gens ici sont très au point dans la création de robots, en particulier les androïdes. Avoir une relation organique avec les « autres » est une caractéristique très japonaise, que j’appelle néo-animisme, ou animisme contemporain. Les Occidentaux tendent souvent à diviser : c’est noir et blanc, c’est sujet-objet, c’est la nature et c’est la machine… Au Japon, l’humain n’est pas au centre, il est plutôt « une partie de », nous aidant à reconsidérer nos relations avec la nature et l’habitat, et tous les conflits et les lacunes entre les deux. Cet aspect de la pensée et de la philosophie japonaise est très intéressant et important pour moi, nous devons faire face à ces lacunes et conflits, vous savez. C’est ma proposition, à travers cette exposition.

 

En plus d’être curatrice, vous enseignez l’histoire de l’art à l’Université Tama. Les notions de coexistence, de redéfinition de la nature et de l’humain, du corps et des sens ont été des sujets importants au cours des deux dernières décennies, particulièrement dans les travaux de philosophes français comme Gilles Deleuze, Bruno Latour, Michel Serres et d’autres. Il est intéressant de voir comment la théorie, le soi-disant nouveau tournant matériel et la « redécouverte de la nature » en Occident font écho aux concepts et aux idées inhérents à l’art et à la culture japonais. Comment les deux interagissent-ils dans votre pratique curatoriale ?

La culture japonaise est fortement axée sur les sens et l’« intellect physique », sur la connaissance corporelle, qui n’est pas articulée par des termes théoriques, mais provient de l’expérience physique. Parfois, il m’est difficile d’avoir le même niveau de conversation entre les deux, parce que notre intellect est très largement fusionné avec l’expérience physique, qui n’est pas nécessairement exprimée en termes purement intellectuels. La philosophie française, en particulier, a des idées très riches sur les sens et est extrêmement articulée. C’est pourquoi je cite parfois des philosophes français, j’applique leurs idées pour une analyse plus profonde de mon expérience directe, essayant de produire un meilleur sens. La théorie est donc très importante pour moi, c’est un appareil très utile, qui m’aide à articuler les idées que je veux mettre en œuvre.

 

L’expérience qui semble la plus proche de la culture japonaise en Occident est peut-être la nourriture, où l’une des principales caractéristiques est l’équilibre, la juste composition des saveurs et des textures. L’équilibre apparaît également comme un aspect important de votre travail. D’une part, il y a une combinaison de divers médias, comme à « Japonorama », et d’autre part, il y a un mélange d’artistes avec plusieurs grands noms, comme Kusama et Sugimoto, et de jeunes voix que vous incluez toujours.

L’équilibre est toujours très important. L’exposition est un voyage : vous êtes invités à parcourir plusieurs étages, sur plusieurs milliers de mètres carrés. Alors, comment puis-je faire une proposition et, sur cette base, créer une expérience pour ce voyage d’une heure ? Les êtres humains ont différents types de perceptions, les jeunes sont excités par des objets mobiles et cinétiques, alors que les personnes âgées prêtent davantage attention aux détails de la peinture. Je pense donc à différentes manières de sensibiliser, faire une découverte, établir des liens avec les œuvres qu’ils connaissent déjà. Je suis aussi cuisinière, vous voyez, un chef qui pense constamment à préparer une bonne compote de stimuli physiques et intellectuels, pour ne pas s’ennuyer et se sentir constamment inspiré. C’est ma responsabilité en tant que curatrice.

 

 

Mémo

« Japanorama. Nouveau regard sur la création contemporaine », jusqu’au 5 mars. Centre Pompidou-Metz, 1 parvis des Droits de l’Homme, Metz. www.centrepompidou-metz.fr

 

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